Il ripartire da zero, un reset, c’è stato, ed era abbastanza inevitabile che ci fosse. Quest’album è un nuovo inizio per i vecchi membri, per i nuovi e anche per i fan. Per quanto riguarda il ripartire dalle origini, invece, forse sarebbe stato meglio dire ripartire da loro stessi.

“From Zero” non riparte da Xero, seppur il gioco di parole sia carino. “From Zero” riparte da quei ragazzi, oggi uomini, che venticinque anni fa avevano un sogno e talento da vendere, che ad oggi hanno ancora talento e la volontà di continuare ad inseguire quel sogno, nonostante gli imprevisti e con forze fresche a supportarli. Questo album è la perfetta risposta a tutti coloro che, pretendendo con saccenza di aver ragione, insistono nel dire che la band avrebbe dovuto cambiare nome. I Linkin Park sono vivi, perché lo è il loro sound e lo sono le loro idee.

“From Zero” è un album che attinge da tutte le ere passate dei Linkin Park, tant’è che ascoltandolo si hanno in continuazione deja vù o, per meglio dire, dejà entendu. Le note, le parole, i riff, i ritmi, i temi, gli scream, gli scratch, le strutture delle canzoni, sono piccoli tasselli che vanno a formare il mosaico estremamente riconoscibile che sono i Linkin Park. In questo album però, non ci sono solo i Linkin Park delle origini: ci sono HT, Meteora, MTM, ATS, LT, THP, OML. Ci sono i Linkin Park, che con “From Zero” ci vogliono dimostrare che la loro musica, la loro storia, non sono andate perdute. Che le fondamenta sono solide. E hanno resistito al crollo più rovinoso.

Questo album sicuramente non è il loro lavoro migliore, cosa che d’altronde nessuno si aspettava, dopo 7 anni e cambiamenti così profondi. È un album “safe”, in cui i Linkin Park hanno fatto quello che sanno fare meglio: essere loro stessi, senza fronzoli o senza provarci troppo. C’è da dire che a tratti sembra di ascoltare la voce di Emily su canzoni di un’era diversa da quella attuale e la sensazione di “già sentito” diventa preponderante. È come rivivere in breve (molto breve, ad esser sinceri) tutta la musica dei Linkin Park con questa nuova formazione, e alcune canzoni sembrano essere state confezionate su misura come a voler dire “hey guardate, sappiamo farlo ancora”, possiamo farlo ancora.

È apprezzabile, rispettabile e sicuramente comprensibile la volontà di riaffermarsi non solo come band, ma proprio come Linkin Park, in mezzo a tanta gente che da 7 anni a questa parte dice che non esistono più. Per alcuni fan sentire di nuovo questo sound così familiare sarà come tornare a casa, una casa in cui credevano di non poter mettere più piede. Per altri sarà un po’ noioso e deludente perché, parlando chiaramente, i Linkin Park sanno essere più di così.

Nella loro voglia di riaffermarsi e dire “ci siamo ancora”, una band che ha fatto della creatività il suo segno distintivo, che non ha mai voluto legarsi a un solo genere, che ha sempre fatto la musica che voleva, per questo album sembra essersi costruita delle mura (musicali) entro le quali muoversi, mura che racchiudono il “genere” Linkin Park. Questo album è tutto ciò che abbiamo già sentito dalla band, non c’è molto di nuovo (a parte l’ovvio) il ché, se da un lato fa dispiacere e rimanere un po’ con l’amaro in bocca, dall’altro è del tutto comprensibile e, pensandoci, forse non ci si poteva aspettare nulla di diverso. E va bene così.

Va bene così perché questo è solo il punto di partenza. La band ha provato a se stessa, ai fan e al mondo intero che le fondamenta sono più solide di quanto si potesse pensare, e da qui in poi si può iniziare a costruire.

Articolo a cura di Selene Rossi

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Il cerchio si chiude. Dopo tre anni dall’annuncio di una reunion dei Grey Daze (fatto dallo stesso Chester) e dalla tragica scomparsa del cantante, viene finalmente pubblicato “Amends”, nuovo album della band di Bennington precedente ai Linkin Park. Il batterista Sean Dowdell ha saggiamente atteso diverso tempo prima di mettere mano al materiale, lasciando che il dolore si trasformasse lentamente in una ferma volontà nel realizzare il giusto tributo all’amico, compagno di band e socio in affari. Insieme al vecchio bassista Mace Beyers e al nuovo chitarrista Cristin Davis (anche lui amico di Chester ai tempi del liceo), Dowdell ha messo a punto un progetto di primo livello, coadiuvato da diversi musicisti che negli anni hanno conosciuto e lavorato con il cantante in diverse occasioni, andando a riarrangiare e riregistrare alcuni dei migliori brani dei due album in studio dei Grey Daze, “Wake Me” e “No Sun Today”.

“Amends” nasce quindi dalla lavorazione strumentale di vecchi pezzi, uniti a tracce vocali registrate da Chester negli anni ’90. Il risultato finale può dirsi riuscito sotto ogni punto di vista: se infatti tra i maggiori punti deboli delle versioni originali poteva contarsi una produzione e dei suoni di livello non ottimale, le canzoni vengono in questo modo permeate di una nuova identità e, pur mantenendo suoni sporchi e puramente anni ’90, il lavoro di restaurazione è considerevole, così come riesce ogni volta a sorprendere la capacità vocale di Bennington. In un comparto strumentale più che riuscito, la voce di Chester si erge con prepotenza, ricordando ancora a tutti (come se ce ne fosse bisogno) di appartenere di diritto alla cerchia dei migliori cantanti della storia del rock recente. Una voce ancora acerba (Bennington all’epoca aveva meno di 20 anni), ma già potente, graffiante, sofferente e catartica. Una voce che riesce a rappresentare bene i traumi che, già a quell’età, avevano inabissato la vita di un ragazzo innocente dall’anima fragile, capace di espiare il proprio dolore solo attraverso un microfono e le sue miracolate corde vocali. 

I brani si muovono tra grunge, alternative rock e venature pop, riuscendo in questo modo a mantenere sempre alta l’attenzione e il coinvolgimento emotivo, anche grazie ai testi personali, con i quali riusciamo a tornare alle esperienze dell’adolescenza del cantante, inquadrando quindi la sua crescita come artista e come uomo. Testi crudi e maturi (soprattutto considerata l’età dell’autore), si susseguono in pezzi incisivi ed emozionanti, resi migliori anche dalla presenza degli ospiti. Da questo punto di vista si fanno notare in primo piano “She Shines” e “B12”, a cui hanno partecipato i chitarristi dei Korn. Le chitarre abrasive e ribassate, insieme ad una performance vocale sofferta sono gli ingredienti della prima, mentre in “B12” Chester sfodera delle strofe quasi rap e un ritornello melodico, evidenziando fin da subito la propria incredibile versatilità. Tra gli ospiti illustri troviamo anche Jaime, figlio di Bennington, che ha partecipato ai cori dell’emozionante “Soul Song”, oltre a Page Hamilton (nella cruda “Sickness”) e alla cantante LP, presente nella conclusiva “Shouting Out”, forse il pezzo più debole del lotto. Le vette più alte vengono invece raggiunte con “The Syndrome”, che alterna strofe melodiche e dark ad uno stacco quasi metal,  “Just Like Heroin”, che culmina in uno scream da pelle d’oca e “Morei Sky”.

“If I had a second chance I’d make amends only to find myself losing in the end”

Questi versi, ripetuti nella bellissima “Morei Sky”, oltre a dare il titolo all’album, rimangono impressi per la loro potenza comunicativa e, ancora dopo tre anni, lasciano quasi scossi nell’affrontare la realtà. Forse Chester Bennington non ha avuto la fortuna di una seconda possibilità. Questa possibilità, tuttavia, è stato capace di donarla a milioni di persone.

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Il singolo, scritto e prodotto da Mike stesso, si intitola “fine” e farà parte della colonna sonora di The Blackout, un film russo che uscirà il 21 novembre in Russia ed il 28 novembre in Germania, Austria e nei paesi baltici. Si tratta di un thriller di fantascienza e qui, se siete curiosi o appassionati del genere, vi rimandiamo al trailer.

Volendo descrivere il brano in poche parole, ciò che spicca sin dal primo ascolto sono i bassi prepotenti, il tono cupo e la melodia magnetica. Da sottolineare anche la performance vocale di Shinoda: nell’arco della canzone si intrecciano più livelli e il risultato è davvero convincente. Impossibile negare il miglioramento dietro al microfono che si è verificato negli ultimi anni, in cui le sue capacità sembrano affinarsi sempre più. Il testo del brano, anch’esso decisamente tetro, è composto da due strofe ed un breve ritornello che si ripetono ed intervallano tra di loro e, seppur ripetitivo in sé, non risulta noioso grazie alla diversificazione di ogni strofa dall’altra. 

Discostandosi da ciò a cui Mike ci ha abituati, sia nel passato lontano che in quello più recente, con molta probabilità questo brano farà storcere il naso a parecchi, soprattutto ai non amanti della musica elettronica. Tenendo però a mente che il brano è nato con uno scopo, esso risulta funzionale al suo ruolo di colonna sonora, adattandosi al mood ed alla trama del film. È quindi un prodotto decisamente ben riuscito che probabilmente rimarrà un unicum e non caratterizzerà la musica che Shinoda ha (sicuramente) in programma per noi. Anche se, conoscendo la sua imprevedibilità, ci aspettiamo di tutto.

Di seguito trovate il testo del brano, con la traduzione in italiano (se siete da smartphone scorrete a destra per la traduzione):

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Leviamoci subito il pensiero: questo è un album di Shinoda e non uno dei Linkin Park, nonostante adesso sembri essere l’eredità della band, non è un album composto per darne seguito diretto. Semmai, volendo analizzarlo a livello storico, possiamo vederlo come un passo avanti rispetto al progetto Fort Minor. La “scena” (per i feticisti della categorizzazione in generi a tutti i costi) è quella Rap, Hip-Hop e Pop moderna e le influenze sono tutte genuinamente di questo tipo. Inutile cercare il rap/rock marchio di fabbrica dei primi Linkin Park oppure i riff graffianti e le basi elettroniche figlie dei vari rinnovamenti che i losangelini hanno attraversato negli anni. Eppure, per ammissione stessa di Mike, alcuni pezzi dell’album arrivano direttamente dalle demo di One More Light (e si sente, direi), quindi possiamo vedere questo lavoro figlio in qualche modo delle recenti “sperimentazioni” di Shinoda e compagni nelle produzioni pop ed elettroniche degli ultimi anni.

Si è detto tanto sulla scelta di Mike di realizzare così a caldo un album e tornare in tour da solo, tante chiacchiere, speculazioni e malignità – ma i risultati finali sono piuttosto eloquenti: nonostante sia un pezzo da 90 della musica sembra quasi sentirsi in dovere di chiedere il permesso ai suoi fan di fare musica. La produzione e la promozione (seppur ben coperta dalla Warner Bros. e dal management dei Linkin Park) sono modeste e simili ad un lavoro Indie, i concerti sono più ristretti, completamente in solitaria ed il contenuto del disco (seppur veda qualche esimia collaborazione) non è da meno. Piacciano o no le sue scelte, quest’uomo ha dimostrato una grandissima umiltà e capacità artistica, realizzando in pochissimo tempo (e completamente da solo) un album completo sotto ogni punto di vista. La produzione, gli strumenti (a parte alcune chitarre quasi sempre campionati e sintetizzati), l’aspetto artistico (molto sentito e presente sia nei video in alcuni casi confezionati anche da solo che nei vari artwork e dipinti realizzati per l’occasione), le esibizioni ed interviste rilasciate, tutto crea un unicum davvero ben confezionato e studiato ad arte da Mike, e non ci si poteva aspettare diversamente.

Tralasciando il trittico iniziale, già recensito all’uscita dell’EP (a questo indirizzo la nostra recensione) e senza toccare direttamente ognuno dei pezzi dell’album (di cui trovate il nostro track-by-track ed impressioni a caldo a questo indirizzo) scorriamo velocemente i punti più interessanti di quest’album, pensato con un percorso non lineare che parte qualche settimana dopo la morte del compagno Chester e si conclude con una ritrovata voglia di mettersi in gioco.

Tra i brani più significativi di questa “montagna russa di emozioni” c’è il terzo estratto, About You (che si avvale della partecipazione di blackbear) – che suona davvero come più canzoni spezzettate ed incollate insieme, e rappresenta forse al meglio quest’album: se le voci sintetizzate ed il drop ricordano un po’ troppo la musica Trap tanto in voga negli ultimi anni, le parti genuinamente Hip-Hop e le rime di Mike sono tra le migliori mai messe insieme con tanto sentimento ed energia, riuscendo a piacere e creare disturbo allo stesso tempo. Promises I Can’t Keep (e la strumentale Brooding che la introduce) sono tra i pezzi più vicini allo stile più melodico ed Alternative dei Linkin Park seppur senza la verve dei restanti componenti del gruppo. Lift Off si avvale della voce di Chino Moreno e delle rime di Machine Gun Kelly e con le sue atmosfere oniriche e testi sopra le righe è sicuramente tra le perle di quest’album (nonostante l’occasione sprecata di realizzare un pezzo veramente al cardiopalma, cosa in cui l’ottima Running from My Shadow con grandson riesce benissimo). Crossing a Line e Ghosts sono tra i pezzi più “positivi” dell’album e sicuramente tra quelli che ricorderemo di più negli anni a venire, grazie a chorus azzeccati e produzione impeccabile. Al contrario tra i punti peggiori del lotto va citata la debole e ripetitiva Make It Up As I Go (con la voce principale di K.Flay, che non sarebbe neanche male se c’entrasse qualcosa con il resto dell’album) ed I.O.U. che poteva essere un gran pezzo con un chorus studiato meglio. Piccolo rammarico anche per la chiusura del disco, una Can’t Hear You Now molto bella ma forse non adatta come chiusura (ironico come le ultime cose che sentiamo di quest’album siano delle vocine sintetizzate totalmente a caso).

In questo percorso quindi, Mike si arrabbia, soffre, ha momenti di euforia ed altri di profonda disperazione – cade, si rialza ed ostenta speranza, eppure lo fa sempre in modo composto, strutturato, senza sbavature e con una produzione di grandissima fattura, pulita e puntuale nonostante il poco tempo a disposizione per completare i brani. Questo è il principale difetto di questo lavoro, che possiamo dirlo subito, vale tanto la pena, è un album completo come sonorità (variegate ma omogenee tra loro, con quel mood rap/pop moderno tra melodie, rime taglienti, autotune e basi elettroniche sopra le righe) e come testi affronta perfettamente il tema cardine del disco. Eppure… appare carente dal punto di vista dell’incisività complessiva. I pezzi sono quasi tutti belli, si lasciano ascoltare e restano abbastanza in testa ma sembrano ancora chiusi in una sacca emotiva ed artistica che gli impedisce di esplodere davvero e quindi come tali si lasciano anche perlopiù dimenticare facilmente. La sensazione è quella di non riuscire a toccare quasi mai certe vette di grandezza, pur avendone la possibilità, forse per paura di osare troppo o di lasciar andare troppo le proprie emozioni, chissà. Quest’album piace ma non lascia il segno.

Non so se possiamo definirlo un vero e proprio lavoro “primo”, ma sicuramente questo Post Traumatic non sarà ricordato come il capolavoro di Mike Shinoda e chi aspettava disperatamente un ritorno della musica che amava nei Linkin Park ne resterà amareggiato. Eppure c’è la sensazione diffusa che queste canzoni daranno il meglio di se direttamente nei live, nelle loro contaminazioni e fusioni con il materiale vecchio e nuovo dell’artista. Sarà sul palco che vedremo davvero esplodere il “POST-Post Traumatic” e sarà suonando che vedremo prendere al nostro Shinoda sempre più confidenza e consapevolezza di questa sua nuova direzione. Siamo più che sicuri che se le premesse sono queste ci aspetta un futuro musicalmente pieno di sorprese e grandi soddisfazioni, con e senza i restanti membri dei Linkin Park.

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Gli ultimi sei mesi sono stati come una montagna russa. In mezzo al caos, ho iniziato a sentire una gratitudine immensa – per i vostri tributi, i vostri messaggi di supporto, per la carriera che mi avete permesso di avere e per la semplice opportunità di creare.

Oggi sto condividendo tre brani che ho scritto e prodotto, con immagini che ho filmato, dipinto e montato in autonomia. Nel profondo, il lutto è un’esperienza personale e intima. In quanto tale, questi sono i Linkin Park né i Fort Minor – sono soltanto io.

L’arte è sempre stata il posto in cui vado quando ho bisogno di superare la complessità e la confusione della strada da percorrere. Non so dove mi porta questa strada, ma sono grato di poterlo condividere con voi.

Con questo comunicato, Mike presenta a tutto il mondo il suo nuovissimo EP, Post Traumatic EP, la prima pubblicazione dopo il triste avvenimento del 20 luglio e dopo il memorabile concerto dell’Hollywood. Il titolo del disco fa ben capire il periodo da lui vissuto in seguito alla scomparsa di Chester e i tre brani offerti dal rapper e polistrumentista losangelino sono crudi, composti di getto, un pugno nello stomaco che arriva direttamente all’ascoltatore e fa comprendere ogni pensiero che ci vuole condividere. E non sono da meno i tre rispettivi “home-video” da lui pubblicati.

Seguendo l’ordine dei pezzi, essi mostrano un Mike in un primo momento abbattuto e in un certo senso smarrito, passando a momenti di schiettezza e delusione di fronte a coloro che evidentemente non lo comprendevano appieno. Ciò è deducibile appieno nella seconda strofa di Over Again, un vero e proprio sfogo personale dove Mike si mette a nudo, senza risparmiarsi. Non è da meno la conclusiva Watching as I Fall, un pezzo molto riuscito dal punto di vista musicale e ancora più diretto dal punto di vista del testo. Lo spazio ritagliato negli oltre due minuti finali del relativo videoclip è un altro pensiero di getto che il rapper ha fatto il 12 dicembre 2017, narrando alcune vicende e assicurandosi di stare bene, di dare il meglio per se stesso, di trascorrere le vacanze con la famiglia e di comporre nuova musica.

È impossibile non accettare questi tre pezzi se non per quello che sono, così come risulta impossibile paragonarli a tutto il materiale pubblicato in precedenza, sia con i Fort Minor che con i Linkin Park, proprio per loro spontaneità. L’EP è una pagina inedita di un Mike Shinoda addolorato, tormentato e deluso che vuole comunicarci tutto quello che ha passato e che sta passando senza alcun timore e laddove non ci è riuscito completamente con la musica lo fa attraverso questi video e disegni caotici e disturbanti.

Non ci resta che augurare un grosso in bocca al lupo a Mike e ringraziarlo per averci reso partecipi di questa fase cruciale della sua vita.

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Ma andiamo con ordine.

Le principali differenze che possiamo riscontrare tra Minutes to Midnight e gli album pubblicati in precedenza è una tendenza verso composizioni più ispirate al pop rock che all’alternative metal. Spariscono quindi i power chord, il rap di Mike Shinoda e gli scream di Chester Bennington diminuiscono drasticamente, i testi anzichè esprimere ruvida frustrazione e rabbia adolescenziale sono orientati verso tematiche più mature e politiche, mentre Joe Hahn sparisce quasi completamente dalla scena come DJ. Brad Delson si cimenta anche in alcuni assoli di chitarra, una novità assoluta per i Linkin Park che conferma la loro ispirazione tratta da gruppi classicamente soft rock come U2 o i REM.

L’album inizia con la strumentale Wake che, pur non essendo nulla di che sotto il profilo prettamente compositivo, crea un’ottima atmosfera “da risveglio” che fa capire che dopo quattro anni i Linkin Park sono tornati sulle scene. A Wake fa seguito Given Up, una delle canzoni più aggressive mai composte dai nostri in cui fa capolino un inaudito urlo di Chester lungo ben 18 secondi. Una cosa da infarto se si pensa alla resistenza vocale necessaria. Ma non è questo l’unico motivo per cui Given Up è degna di nota. Anche il basso di Phoenix finalmente si fa sentire e Rob Bourdon mostra tutte le sue capacità di batterista, non facendo nulla di spettacolare ma ritmando in maniera azzeccata la canzone.

Ma già con Leave Out All the Rest vengono alla luce i primi difetti dell’album. Per quanto sia una canzone che si lascia ascoltare piacevolmente, manca completamente di carattere e di una qualsivoglia scintilla che possa renderla veramente interessante. E così un tentativo di ricreare atmosfere quasi trip hop in realtà ricordano i Badfinger più che gli Archive. Più efficace è Bleed It Out con un ritmo saltellante e un riff di chitarra semplice ma efficace a sottolineare un ritornello orecchiabile dal sicuro appiglio. I Linkin Park si dimostrano anche saggi abbastanza da farla terminare dopo neanche tre minuti di durata, di più effettivamente avrebbe solo allungato a dismisura una canzone che non aveva più niente da dire. La successiva Shadow of the Day crea delle ottime e malinconiche atmosfere, ma è fin troppo ispirata da With or Without You degli U2 (ai limiti del plagio in certi tratti). Ma si tratta di una canzone che riesce comunque a scamparla grazie ad un intelligente uso dell’orchestra e grazie all’ottima prova canora di Chester.

Fa seguito la (fin troppo) sentita What I’ve Done. Una piacevole canzone rock ma nulla più. Veramente notabile è solo la prova alla batteria di Rob Bourdon e uno dei rarissimi interventi di Joe Hahn. Per quanto trascinante è tutt’altro che un brano memorabile in cui nel finale fa capolino un irritantissimo “na na na” di Mike Shinoda che però è l’assoluto protagonista di Hands Held High. Il rap è il solitario protagonista di una canzone emozionante e dal gusto ecclesiastico. Una preghiera di reverendo Shinoda per un mondo futuro migliore che si scaglia contro la guerra e l’ingiustizia. Un brano pieno di emozioni in uno degli episodi più riusciti dell’album.

No More Sorrow è d’altro canto una canzone ruvida in cui fa di nuovo capolino la batteria di Rob Bourdon a rendere potente un brano dal forte impatto grazie ai suoi ruvidi riff di chitarra e gli scream di Chester. Tutt’altro che memorabile è, al contrario, Valentine’s Day. La prova del sempre ottimo cantante non basta a sollevare una canzone scialba e senz’anima. In teoria dovrebbe essere una canzone in grado di far comparire una lacrimuccia negli occhi dello spettatore ma in realtà non fa altro che provocare sbadigli. La canzone sa troppo di già sentito e il delicato arpeggio di chitarra finisce con l’annoiare con la sua ripetitività. Ma Valentine’s Day non è neanche lontanamente noiosa quanto la successiva In Between. La prima prova da cantante autonomo di Shinoda si dimostra essere un clamoroso buco nell’acqua, dando vita ad una canzone né carne né pesce e diventando uno strazio lungo tre minuti in cui si spera che finalmente il brano parta davvero ma che invece va in retromarcia più a lungo prosegue.

Fortunatamente Minutes to Midnight finisce con le due canzoni migliori del plotto. In Pieces con il suo crescendo costante e un ottimo dosaggio dei suoi vari elementi crea un vortice emotivo e sonoro da cui è difficile non farsi affascinare. Ma dove l’album raggiunge il suo apice è in The Little Things Give You Away, una ballata rock degna dei migliori Pearl Jam. La canzone inizia piano piano e introduce costantemente nuovi elementi con un climax finale a cappella semplicemente incanevole. L’assolo di chitarra e l’intero intermezzo sottolineato dal mai troppo lodato Bourdon provocano pelle d’oca e brividi lungo la schiena. Fuor di dubbio la miglior canzone dell’album e una delle più riuscite dell’intera carriera dei Linkin Park.

Concludendo, Minutes to Midnight è un album con alti e bassi. Alcuni episodi riuscitissimi non gli tolgono la targa di essere l’album forse più debole della loro carriera. Nonostante i suoi tanti ed evidenti difetti era la mossa giusta all’epoca e aprì le porte verso ciò che i Linkin Park sono poi diventati.

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Correva l’anno 1999. Il secondo millennio stava volgendo al suo termine e lo stesso stava facendo quella corrente musicale denominata nu metal che tanto spopolava durante la seconda metà degli anni novanta. L’epoca di rap misto a metal, di crossover fra beat e power chord da lì a poco non sarebbe stato altro che uno sbiadito ricordo nella collezione di CD di un vecchio fan dei Korn e dei Limp Bizkit. Fan di questa corrente erano anche i ragazzi del college che sarebbero poi diventati famosi con il nome Linkin Park e la loro ispirazione all’ambiente crossover è più che evidente nel loro primo EP.

Partendo da Carousel, in mezzo ai suoi vocalizzi arabeggianti e la sua melodia minimale, ci mostra quanto i canoni del nu metal vengano rispettati: i power chord semplici ed efficaci di chitarra e basso fanno da struttura portante per le strofe rap e i ritornelli dal cantato aggressivo innestate nella più classica forma canzone. Semplice, diretta ed emozionale. Sono questi i tre aggettivi da affibbiare a Carousel e si addicono perfettamente a tutto l’EP. Passando per l’intermezzo Technique, che ricorda vagamente il downbeat dei Thievery Corporation, in cui Joe Hahn mette per la prima volta in mostra le sue qualità da disk jockey, giungiamo a Step Up. Il rap di Shinoda, pesante e intenso, è l’assoluto protagonista del brano in quanto inframezzato da un ritornello e da un bridge in tutta sincerità un tantino fuori luogo e quasi urticanti. Ma si tratta di una caduta di stile perdonabile per essere il primo lavoro di un gruppo di poco più che ventenni che comunque mostra una maturità notevole nelle sue composizioni.

And One è un brano dallo spiccato gusto Deftonesiano. Una canzone ansiosa e angosciante in cui il duetto fra i due cantanti si mostra in tutta la sua efficacia e gli scratch provocano brividi gelidi lungo la schiena dell’ascoltatore. È invece la voce distorta al computer ad introdurre High Voltage e di nuovo il rap a proseguirla fra arpeggi di chitarra e un lugubre accompagnamento di basso. Notevoli i i vocalizzi di Bennington nella seconda metà della canzone che donano al brano un’atmosfera magica ed inspiegabilmente oscura ma dolce allo stesso momento. Il plotto si conclude con Part of Me, la canzone che senz’altro ricorda più da vicino i futuri due album dei Linkin Park grazie al suo ritornello emozionale che fa capolino su un tappeto di power chord, effetti sonori computeristici e al suo ambiente malinconico.

Hybrid Theory EP non contiene certo i picchi massimi mai raggiunti dai nostri, ma si tratta comunque di un lavoro di buon livello che ha aperto la strada per tutto quel che è stato dopo. Una piccola perla nata durante il canto del cigno del genere a cui appartiene.

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E questo a buon ragione. Il motivo non è solo che si tratta dell’album che ha fatto conoscere i Linkin Park alla vecchia guardia e a cui tutti gli appassionati aggiuntisi negli anni a venire guardano con riverenza come uno degli ultimissimi successi del fantomatico e ormai moribondo nu metal. Il motivo non è da ricercarsi nemmeno nel coinvolgente sound, incredibilmente maturo per una band di ventenni; un sound che rende così unica l’atmosfera di un album come Hybrid Theory in cui la complessità compositiva non è certo di livello elevatissimo. Ciò che rende memorabile l’esordio dei nostri è l’intensissima e travolgente carica emotiva di cui è intriso il disco. Emozioni e rabbie adolescienziali, ma non per questo delle banalità. Dal primo all’ultimo, i 38 minuti che compongono Hybrid Theory compongono un affresco di emozioni condensate in musica con l’innegabile pregio di trascinare l’ascoltatore all’interno della propria intimità e in quella dei componenti della band.

Dal punto di vista prettamente musicale, sono chiare le ispirazioni derivate dal post-grunge dei primi Stone Temple Pilots, dall’alternative dei Deftones e dai ritmi elettronici dei Depeche Mode, mentre il rap di Mike Shinoda mostra punti in comune con i Run DMC. Il tutto ovviamente infarcito da influenze dei gruppi nu metal dell’epoca d’oro: P.O.D., Korn, Rage Against The Machine, Limp Bizkit, eccetera. Semplici power chord, canzoni tutto sommato brevi e semplici, ampio utilizzo di componenti elettronici (merito del DJ Joe Hahn) e fusione e alternanza fra elementi rap e altri più prettamente alternative metal; tutto questo con l’aggiunta di una cosa: l’emozionalità di cui sopra. Una sottile e dolce velatura pop che conferisce al soldato della copertina le sue ali e rende Hybrid Theory qualcosa in più di una semplice continuazione del lavoro fatto dai gruppi su citati. Qualcosa in grado di essere ricordato ancora oggi e non essere finito nell’infinito dimenticatoio del mainstream. Qualcosa in grado di sfornare undici potenziali singoli su dodici canzoni presenti nel plotto.

Partendo da Papercut si viene subito proiettati nell’universo di questo disco. Il rap di Shinoda si scatena come una mitraglietta mentre il cantato di Chester Bennington duetta con le strofe hip hop creando un climax emotivo che si scatena a metà canzone dove i due cantanti si affiancano in una conclusione da pelle d’oca e brividi. One Step Closer d’altro canto è un brano più aggressivo che si basa su un riff di chitarra semplice ma efficace che accompagna una prova maiuscola di Bennington che sublima nell’arcinoto urlo “Shut Up!”. Ma alla fin dei conti, si tratta del brano forse più debole dell’album, memorabile solo per l’urlo di cui sopra e per poco altro. D’altro canto si può, a ragione, affermare che molti album possono solo sognarsi un anello debole come questo, perchè si tratta comunque di una canzone che cattura ed è efficacissima. La successiva With You con la sua dolce malinconia e il suo ritornello potente continua senza battere ciglio il discorso intavolato dalle prime due canzoni. Dopo un inizio così travolgente i Linkin Park si permettono di dilagare con Points Of Authority, un brano quasi claustrofobico in cui fa capolino un martellante rap a metà canzone. La tristezza e l’angoscia invece sono assoluto protagoniste in Crawling dove Bennington si cimenta in una delle sue performance vocali migliori in assoluto. Oppressa, angosciante e deprimente, la canzone trascina attraverso tre minuti di atmosfere gelide e oscure. Sulla stessa lunghezza d’onda è Runaway con la batteria di Rob Bourdon in grande spolvero a sottolineare il susseguirsi di strofa e ritornello che non lascia vie di scampo.

Con By Myself si raggiunge il picco malinconico di Hybrid Theory. Tanti elementi atmosferici rendono questa canzone un piccolo gioiello dove più strati sonori si sovrappongono dando vita all’atmosfera lugubre di questa canzone con un ritornello in cui ci si meraviglia che le corde vocali di Bennington non si siano spezzate durante le registrazioni. Segue la canzone più famosa dei Linkin Park, la canzone che li ha consegnati dritti dritti tra le braccia delle top ten delle classifiche e nei cuori dei loro fan: In The End. La triste melodia di pianoforte e la ancora una volta superlativa prova di Bennington sono le protagoniste indiscusse della canzone in buona compagnia del rap di Shinoda e dei beat di Joe Hahn. Come al solito sono le emozioni che le canzoni riescono a scaturire a renderle così degne di nota. Continuando sulla stessa strada dell’emotività, ma con un accento più marcato sulla componente aggressiva, troviamo A Place For My Head con il solito duetto fra cantato melodico e rap che culmina in un finale di pura rabbia e adrenalina per poi passare senza soluzione di continuità a Forgotten, canzone che riprende a grandi linee tutti gli elementi di Hybrid Theory divenendone la sintesi. Intermezzo è la strumentale Cure For The Itch in cui Mr. Hahn dà prova delle sue doti di ingegnere del suono creando un pezzo quasi ambient di sicura presa. Si conclude con Pushing Me Away dove le emozioni raggiungono il loro zenit. L’ennesima superlativa prova vocale e la soffice malinconia dell’arpeggio di chitarra chiudono degnamente l’album con una canzone emotiva e fortemente introversa.

Hybrid Theory è un disco d’esordio come se ne trovano pochi che mostra una maturità stilistica non indifferente data la giovane età dei membri del gruppo all’epoca. All’inizio della loro carriera i Linkin Park batterono subito un colpo e posero le basi per essere una delle rock band più acclamate e discusse del nuovo millennio con tante persone da ambo le parti, detrattori e fan. Di certo rimane il fatto che i sei californiani all’inizio della loro carriera sono riusciti subito a sfornare un album che ha reclamato l’attenzione dell’intera industria musicale.

L'articolo Linkin Park – Hybrid Theory proviene da LINKIN PARK ITALIA.

La componente elettronica è di fatto particolarmente accentuata, ma sarebbe sbagliatissimo ridurre l’album solo a questo. Lontanissimo da remix in pura salsa dance dove non si fa altro che aggiungere un ritmo “tunzante” in sottofondo lasciando sostanzialmente invariate le canzoni in sé, in Reanimation ci troviamo a far fronte a vere e proprie reinterpretazioni delle canzoni di Hybrid Theory con una propria anima ed una propria identità tanto da renderlo un lavoro a sè stante, in grado di stare in piedi anche senza l’originale. Per raggiungere questo sono stati riuniti i più disparati musicisti e produttori della scena crossover/alternative metal dell’epoca: da Aaron Lewis degli Staind a Stephen Richards dei Taproot fino a Jonathan Davis dei Korn, il tutto sotto la guida di Mike Shinoda, qui in veste di produttore. Pur non trattandosi di un album concettuale in senso stretto, diversi tratti ne rammentano le caratteristiche. Ampio è l’utilizzo di intermezzi, perlopiù dimenticabilissime telefonate a dire il vero, e di passaggi da un brano all’altro senza soluzione di continuità.

Il risultato è un lavoro con sonorità e atmosfere come veramente non se ne trovano da nessuna altra parte. Aldilà del bene o del male va dato atto che musica di questo tipo è veramente più unica che rara. Come classificarlo? Rap metal? Alternative hip hop? Synth metal? Alternative rap electronic proto classic rock metal? Ma serve davvero un’etichetta? Questo per dire che non c’è etichetta che si addica a Reanimation ed è bene che sia così. Ciò che salta all’orecchio quasi subito è che le due anime dei Linkin Park sono ottimamente mantenute, da una parte le chitarre distorte e pesanti beat elettronici dall’altra effetti ambient e quieti inserti di pianoforte. Dopo ripetuti ascolti non si potranno che notare i tantissimi effetti sonori utilizzati anche sovrapposti che quasi sempre raggiungono il limite della cacofonia salvo fermarsi ogni volta al punto giusto, al confine fra caos e melodia. Un album ricco quindi, ricco di idee e di elementi. In tutto questo fa piacere scoprire che l’emotività che caratterizzava Hybrid Theory non è andato perduta, tutt’al contrario alcuni episodi riescono nell’ardua impresa di superare le controparti originali in questo senso.

Cominciando da Opening si può notare subito l’atmosfera calda e accogliente di Reanimation. Ma se questa apertura ha un sapore quasi sinfonico donato dall’ampio utilizzo di archi, il resto dell’album è, come già precedentemente rimarcato, dal gusto più spiccatamente elettronico, una sinfonia elettronica. Pts.OF.Athrty è forse il remix più simile all’originale, sia come struttura sia come sonorità, aggiungendo un tocco di claustrofobia in più. Da tutt’un altro mondo arriva Enth E Nd che trasforma il cavallo da battaglia di Hybrid Theory in un pezzo scanzonato dal gusto puramente rap, la malinconia originale si tramuta in un ritmo canterino e danzante abbastanza inappropriato come remix e come contesto dell’album. Si tratta, fortunatamente, dell’unico passo falso all’interno di un plotto di alto livello che si riprende immediatamente con Frgt/10. La melodia di pianoforte, strumento che molto spesso si farà sentire in accompagnamento alle canzoni di Reanimation, sottolinea il rap al contempo cool e malinconico di Shinoda e Chali 2na. La seguente P5hng Me A*wy riesce a superare il già enorme tasso emozionale del suo alter ego di Hybrid Theory. La tristissima e tormentata atmosfera creata da un ritmo incalzante e dal pianoforte non potrà lasciare indifferente l’ascoltatore. Il crescendo emotivo e strumentale a cui si aggiunge in continuazione un nuovo elemento esplode nell’ultimo ritornello passando per un bridge struggente. Un simile climax lo troviamo in Plc.4 Mie HÆd, canzone che più di ogni altra esemplifica il confine non sorpassato fra cacofonia e musica sopra descritto. Alla partenza di rap e rari beat elettronici si aggiungono man a mano sempre nuovi suoni. La canzone cresce e cresce fino a scatenarsi in fuoco, frustrazione e rabbia a metà canzone. Il famoso “Go away!” dell’originale viene allungato per oltre un minuto in un esplosione di suoni rabbiosi e aggressivi in cui fanno capolino malinconici accordi di pianoforte, una colomba che vola tranquilla durante un bombardamento, si direbbe impossibile ma qui viene dimostrato il contrario. La furia continua si placa nel finale lasciando spazio alla rassegnazione o alla liberazione a libera interpretazione dell’ascoltatore.

Nella breve X-Ecutioner Style i protagonisti sono gli scratch dei DJ degli X-Ecutioners in un rap molto “badass” a cui segue H! Vltg3 con un retrogusto di hip hop east coast degli anni ottanta. Wth>You grazie al suo intelligente uso di elementi  presi dall’originale e pochi ma azzeccati cambiamenti riesce ad imprimersi velocemente in testa e si fa notare grazie ad un entusiasmante bridge con il rap di Aceyalone. Passando per il breve ma caldo interludio Ntr\Mssion arriviamo all’oscurità di PPPr:Kut: l’inquietante melodia di basso provoca brividi lungo la schiena mentre suoni ambient intessono paesaggi surreali e lugubri. Rnw@Y si caratterizza principalmente di un ottimo comparto ritmico e per l’eco del ritornello. La lieve voce femminile di Kelli Ali accompagna quella di Bennington nel ritornello di My<Dsmbr in una canzone che arricchisce l’originale di maggiore varietà sonora. Chiudendo gli occhi ci si ritroverà in una fredda e innevata notte invernale di una grande città, rimuginando sui propri errori. Con By_Myslf torna la vena claustrofobica della prima parte dell’album. L’uso di un ritmo di evidente stampo downbeat dona al brano potenza e oscurità.

Il trittico finale viene introdotto da Kyur4 Th Ich in cui Joe Hahn reinterpreta se stesso creando una traccia cupo a cui segue la tetra epicità di 1stp Klosr. L’atmosfera evocata dai suoni elettronici rievocano episodi di insoddisfazione mentre il rinomato “Shut up!” originale viene abilmente remixato con un ritmo più potente. In chiusura troviamo Krwlng in cui l’inizio riabbraccia la fine. Gli stessi archi di Opening avvia la nostalgica malinconia di una canzone che provocherà pelle d’oca all’ascolto. Di nuovo troviamo il crescendo emotivo e strumentale già spesso ascoltato durante il disco.

In conclusione, Reanimation è un disco troppo spesso sottovalutato se non dimenticato nella discografia dei Linkin Park, forse perchè si tratta di un album di remix. Reanimation è un lavoro valido e originale con una freschezza di idee e maturità e varietà sonora notevole. È l’atmosfera calda e accogliente a fare da padrone nei sessanta minuti di musica.

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Queste parole uscite direttamente dalla bocca di Howard Beale nel mitico film Quinto Potere di Sidney Lumet sono l’incitamento più feroce e senza compromessi alla distruzione dello status quo e dell’uscita dall’apatia mediocre dell’individuo medio. “Incazzatevi!” è la parola d’ordine, la rabbia è l’unica cosa che possa far cambiare le cose, l’unica che possa mettere sottosopra un ordine prestabilito di cui nessuno è contento ma di cui tutti fanno parte.

Non ci sarebbe nulla da stupirsi se i Linkin Park avessero avuto questa citazione stampata e attaccata ad ogni muro del loro studio e in riproduzione continua sul loro impianto sonoro durante la fase di composizione di The Hunting Party. “Incazzatevi!”. Invero, con il loro ultimo album i sei californiani fanno esattamente questo, prendono alla lettera ogni singola parola di Howard Beale e la adattano al loro mondo. L’essenza di The Hunting Party sembra un enorme dito medio indirizzato in ogni verso; verso la società, verso l’industria musicale, verso la radio, verso coloro che hanno dato loro delle fighette o dei venduti.

In molti sensi questo era il disco della verità per i Linkin Park. Dopo un album maiuscolo come A Thousand Suns e uno abbastanza banalotto come Living Things seguito dall’infausto progetto Recharged era l’album seguente a dover mostrare al mondo quale strada avessero intenzione di seguire e se Recharged fosse stato solo un incidente di percorso atto ad ampliare la fan base e la carenza di idee di Living Things solo un problema momentaneo. A questo punto fece capolino la schizofrenica fantasia di Mike Shinoda che entrò in studio, fece sedere davanti a sè gli altri cinque membri della band e recitò a memoria il monologo di cui sopra.

Il risultato è l’album più inaspettato che una band mainstream abbia pubblicato negli ultimi anni. In un paesaggio musicale mainstream in cui le chitarre distorte sono una realtà estranea e l’elettronica prende sempre più piede, i Linkin Park decidono di dare alla luce un album in cui le influenze principali sono da ricercarsi nel punk, nel heavy metal, nell’alternative metal e nel hard rock; il tutto rimescolato in una salsa tutta personale. Al primissimo sguardo sulla tracklist queste influenze sono subito evidenziate dalle featuring: Rakim, Page Hamilton, Daron Malakian e Tom Morello. Un quartetto alla cui lettura molti avranno percepito un fremito nella forza. Un nome più grosso dell’altro per ogni appassionato di musica crossover fra gli anni ’90 e i primi anni del nuovo millennio e, come ciliegina sulla torta, uno dei rapper più influenti della storia del genere. Uno più incazzato dell’altro (soprattutto Tom Morello quando si è reso conto che avevano registrato Drawbar mentre lui era andato in bagno).

The Hunting Party è tutto quanto ci si potesse aspettare da qualcuno che ha deciso di tirare un pugno in faccia all’industria musicale contemporanea: suoni aggressivi, composizioni più elaborate del semplice avvicendamento di strofa e ritornello, sonorità che richiamano a generi musicali che oggigiorno non vanno più di moda. La cosa più lieta da apprendere è che questo pugno in faccia è violento, potente ed incredibilmente ben riuscito. Dai primi vocalizzi distorti di Keys to the Kingdom fino alle oscure atmosfere conclusive di A Line in the Sand l’ascoltatore viene trasportato attraverso lande lugubri dove la chitarra di Brad Delson funge da guida e la batteria di Rob Bourdon da motore. Proprio il primo, tanto malmenato da fan e non a causa della sua mancanza di qualsivoglia profondità compositiva durante tutti gli album della band fino ad ora, in The Hunting Party porta la sue sei corde al ruolo di protagoniste dell’intero album; anzichè limitarsi a semplici power chord e qualche arpeggio basilare, Brad assale lo spettatore con assoli e riff a cui i Linkin Park non avevano neanche lontanamente abituato il loro pubblico. Così in War si presenta un assolo che potrebbe essere uscito dall’amplificatore di Kirk Hammett mentre in Guilty All the Same i riff ricordano molto da vicino certo hard rock anni ’80. I primissimi secondi di All for Nothing potrebbero quasi essere un riff black metal!

Delson non è l’unico però la cui prova su The Hunting Party sia notevole, ogni singolo membro del gruppo collabora egregiamente alla buona riuscita dell’album, in primis Rob Bourdon che si dimostra uno dei migliori batteristi in circolazione nel panorama rock. Anche Joe Hahn svolge un eccellente ruolo in sottofondo nonostante campionamenti e scratch siano elementi lontanissimi dalla vena di rock “puro” che caratterizza lunghi tratti di questo lavoro. Per la gioia di tutti coloro che le richiamavano a gran voce, le urla di Chester Bennington sono tornate in primissimo piano dentro all’equilibrio delle composizioni e altrettanto lo sono le rime di Mike mai ispirate e trascinanti come su questo album.

Così viene dato vita ad un plotto di dodici canzoni in cui nulla stona. Anche canzoni che ad un ascolto separato sembrano più deboli e non degne di particolare attenzione come Until It’s Gone all’interno di un discorso più ampio acquisiscono un loro senso. Ad inframezzare i toni progressivi e veloci di Guilty All the Same e i ritmi mozzafiato intessuti dalla chitarra di Daron Malakian dei System of a Down in Rebellion, una canzone spiccatamente pop rock non sfigura. Se poi una canzone efficace pur nella sua totale mancanza di fantasia durante il ritornello quale è Wastelands si rivela essere una delle canzoni più deboli dell’intero disco, ci si rende definitivamente conto di trovarsi di fronte ad un album di livello veramente alto. Non importa se attraverso le sperimentazioni di Mark the Graves, le aggressioni sonore di Keys to the Kingdom oppure la potenza della ballad Final Masquerade, il sentiero conduce inevitabilmente alla conclusione di trovarsi di fronte al miglior album che i nostri abbiano fino ad ora pubblicato.

Se all’undicesima traccia qualcuno non se ne fosse ancora definitivamente convinto, i Linkin Park trattengono il piatto forte proprio fino all’ultima canzone. A Line In The Sand è una canzone completa sotto ogni aspetto, composta da malinconiche ma decise strofe affidate ad un cantato quasi recitato di Mike e da adrenaliniche accelerazioni in cui il riff di chitarra e il basso di Phoenix danno vita ad un comparto strumentale che non può lasciare indifferenti. È sicuramente noioso e ripetitivo continuare imperterriti a lodare il lavoro dietro alle pelli di Rob, ma cosa altro resta da fare di fronte a prestazioni di questo livello? Un’altra lode va fatta anche a lui.

L’unica vera “delusione” (ma è una sciochezzuola) è la collaborazione con Tom Morello. Se le strofe di Rakim davano completezza ad una canzone già di per sè efficacissima, il cantato di Page Hamilton rimarcava la potenza di All For Nothing e Daron Malakian donava una verve ispiratissima a Rebellion, la chitarra di Morello è pressochè assente nella bellissima strumentale Drawbar. C’è da chiedersi se fosse una collaborazione davvero necessaria se il risultato è stato questo arpeggio semplicissimo.

Notabili sono anche i testi, espliciti e accusatori come non mai. Mai avevamo visto il booklet di un album dei Linkin Park contenere così tanti attacchi verso il mondo che ci circonda, colpevole di apatia morale, ipocrisia, indifferenza e corruzione. I Linkin Park si sono guardati intorno, hanno visto un panorama musicale mainstream senza coraggio, una società malata e insulti (forse anche in parte meritati) verso di loro. Dopo una tale visione non potevano fare altro che alzare la testa, dirigersi verso la finestra, aprirla, affacciarsi e urlare:

“Sono incazzato nero e tutto questo non lo accetterò più!”

…e tutti noi non possiamo che essere grati per la loro incazzatura, dopotutto ci ha fornito il capolavoro dei Linkin Park.

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